Clovis Trouille (1889 – 1975)

Né le 24 octobre 1889 dans l’Aisne, Camille Clovis Trouille fréquente à partir de 1905 l’école des Beaux-Arts d’Amiens dont il ressort cinq ans plus tard pour devenir illustrateur et caricaturiste ; en 1920, après avoir vécu l’expérience traumatisante de la guerre, il s’installe à Paris, travaillant durant un temps dans le dessin publicitaire, puis dans une fabrique de mannequins comme maquilleur-retoucheur – métier qu’il exercera durant 35 ans.

Ses tableaux érotiques, colorés, et volontiers provocateurs, attirent l’attention des surréalistes qui cherchent à en faire l’un des leurs ; mais bien que signataire de certains de leurs tracts dans les années 50, Clovis Trouille gardera toujours ses distances avec le groupe. Anarchiste, libre penseur, anticlérical, antimilitariste, anticonformiste, pour aller plus vite « anti-tout », Clovis Trouille dira de son oeuvre : « Il est vrai que je n’ai jamais travaillé en vue d’obtenir un grand prix à une biennale de Venise quelconque, mais bien plutôt pour mériter dix ans de prison ».

Son indépendance et sa marginalité lui vaudront d’être oublié des critiques d’art comme du public. Auteur d’une centaine de toiles, sa seule exposition, en 1963 à Galerie Raymond Cordier, sera interdite « aux moins de 18 ans et aux plus de 70 ans ». Une brève gloire lui viendra de la création d’un autre : en 1969, il est contacté par Kenneth Tynan qui désire reprendre le titre de l’un de ses tableaux, « Oh Calcutta ! » (Attention jeu de mots), pour une revue érotique d’avant-garde à Broadway. La toile de sera reproduit sur le rideau de la scène et l’artiste touchera de confortables royalties.

Il y a deux ans, une exposition à Amiens a mis Clovis Trouille à la mode. Depuis lors, il est désormais possible de trouver, notamment sur le web, des informations sur ce peintre dont le poète Ghérassim Luca disait qu’il était « celui qui a réussi à planter entre les cuisses du Douanier Rousseau une paire de couilles géantes ».

Après une existence plutôt tranquille pour un anarchiste obsédé par le sexe et par la mort, Clovis Trouille décède à Paris en 1975 à l’âge de 86 ans. L’histoire ne dit pas si des spectres de femmes nues dansent la nuit autour de son tombeau.

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Les passages ci-dessous sont extraits d’une lettre de Clovis Trouille à Mirabelle Dors et Maurice Rapin, mise en ligne sur le blog dédié à ce peintre : Clovis Trouille – La gloire est-elle posthume ?

« […] Je vous ai parlé hier de mon activité à Illustra photo où je faisais des montages photographiques pour gagner ma vie. J’étais dessinateur chez Draeger en 1914.

Vint la guerre 14-18. Je fus mobilisé le 2 Août 1914 et partit pour Sens, n’étant démobilisé qu’en 1919, ce qui fait que j’ai été 7 ans soldat. Nous étions la génération sacrifiée. Privé d’amour à cet âge.

Nous ne connaissions pas la vie et l’on nous envoyait à la mort. J’objectais à obéir à ces infâmes mots d’ordre. Je ne voulais pas mourir à la guerre. Je déclarais la guerre à la guerre. J’en sortis abruti pas les dangers courus, l’œil furieux, le cœur plein de rage et de haine pour ceux qui nous avaient ainsi sacrifiés et s’étaient enrichis à l’arrière, parmi la gradaille embusquée.

Vrai, j’ai trop souffert, à la guerre, de tout, pour ne pas être révolté au souvenir de mes plus belles années passées ainsi, et des néfastes conséquences qui en résultèrent pour moi.

Je repris du travail dans la publicité et me mariais de suite sottement, avec la première venue, propriété d’un commerce hostile. Elle me donna 2 filles en 2 années de mariage. Premier grief de la belle-mère avec qui nous cohabitions (grave erreur) et qui me voyait déjà remplir sa maison de gosses. J’ai dû divorcer ensuite (pêché de jeunesse) et j’ai perdu une fille à l’âge de 12 ans. Et je n’ai jamais pu me remettre de cet irréparable malheur. Cependant quand je revois ma fille, Alice, qui me reste, je me réconcilie avec la vie. C’est incroyable et merveilleux, pour moi. Séparé de mes enfants et revivant en chambre meublée, je n’ai pu recommencé à peindre que lorsque j’ai rencontré ma compagne actuelle en 1925, qui m’a affranchi de tous les soucis domestiques et avec laquelle j’ai pu m’affranchir des chambres meublées, où je n’avais aucune inspiration et me mettant enfin dans mes meubles à moi, me créer une ambiance propice au travail. C’est l’époque de ‘Remembrance’, ‘La Partouze’ Naguerre ou le 106 n’est pas consigné à la troupe. Art super réaliste, du fait de sujets subversifs rassemblés, créant une réalité plus vraie que le vrai. Plus intense que le vrai. Intensité du sujet. Nous verrons plus loin à y ajouter l’intensité coloristique. Ensuite je me suis trouvé mûr pour le dépaysement des motifs, m’apercevant de leur pouvoir de choc lorsqu’il étaient le plus arbitrairement employés […].

Sade conseillait de ridiculiser les religieux. Cela fait d’autant plus mon affaire que j’aime leurs costumes, surtout à la manière de ceux de Zurbaran. C’est pictural. Le curé qui se baigne avec son rabat qui ne rabat plus très bien parce qu’il a aperçu la lune dans l’eau et quelle lune ! Il relève la tête même les deux têtes et en aperçoit l’origine. Je pense vous avoir montré une lettre extraordinaire d’un admirateur anonyme sur cette toile. C’est le même thème que j’ai repris dans l’ancien ‘Lune à un mètre’ qui faisait trop Méliès et que j’appelle maintenant ‘Sous le charme’ où l’on voit un moine dans la plus grande extase, les yeux au ciel, contemplant , son froc turgescent, une superbe lune, infiniment plus intéressante que son bon dieu, qu’il n’a jamais vu.

[…] Les impressionnistes se sont trompés avec leur conception de la lumière. Il faut se méfier du blanc, la lumière est incolore. L’olympia de Manet n’a jamais fait bander personne. C’est ce qu’à bien compris Cèzanne quand il déclare : j’ai été content de moi le jour où je me suis aperçu que je ne pouvais pas peindre le soleil avec mes couleurs, que je ne pouvais que le représenter. L’expérience impressionnisme devait être faite, mais pour pouvoir être abandonnée. Il faut simplement se baser sur les possibilités que nous offrent les belles couleurs chimiques de la palette moderne et voir le parti que l’on peut en tirer par leur contraste ou par leur accord. Mais la conception de la lumière, alors que les couleurs changent, jaunissent, noircissent avec le temps. Quelle erreur !

D’autant qu’un kilo de jaune est plus jaune d’une demi-livre. Je me rends compte ici sur les plages que la femme prend tout son sex appeal en s’exhibant nue sur les plages, sous la grande lumière du soleil. Hier, une superbe fille s’exhibait devant moi, sur le sable, dans les positions les plus érotiques, ne laissant presque plus rien à deviner. Et je n’avais d’yeux que pour une religieuse en blanc qui se trouvait derrière cette fille, surveillant le bain d’un troupeau de gosses, c’est plutôt avec elle que j’avais envie de faire l’amour, elle qui m’incitait au divin viol.

Je suis pour l’art noir pour le caractère maudit. Je rejette la morale de la société bourgeoise, l’imposture de sa religion, la morale de ses curés, son patriocularisme, je désire au contraire une société sans frontières. Je rejette en bloc son art abstrait à la mode. Comment ne pas rejeter son nationalisme. Quand on voit l’art grec antique indépassable, de Vinci, ce sommet italien, Vermeer hollandais, ce qui ne nous empêche pas d’admirer Watteau et Corot bien de chez nous. D’autant plus que comme dit Lautréamont « et sachez que la poésie est partout, où ne se trouve pas le sourire, stupidement railleur, de l’homme à figure de canard ».

Chers amis hâtons de voir la beauté des oeuvres du passé, car hélas, nous ne verrons pas la beauté de demain, nous serons morts, chers amis.

Votre affectueux et sincère ami,

Clovis Trouille »

[Texte extrait du site : Clovis Trouille – La gloire est-elle posthume ?]

Melmothia, 2009

Quelques articles et sites sur Clovis Trouille :

« Remembrance – Clovis Trouille », sur le Site Scribouill’art.

Le site de l’association Clovis Trouille.

Une biographie sur le site Le Monde des Arts.

Des reproductions de ses toiles sur le site Cléomède, de l’autre côté du miroir.

Illustration en vignette : Religieuse Italienne fumant la cigarette, Clovis Trouille, 1944

]]> http://www.romantisme-noir.net/642/oh-calcutta/feed/ 0 http://www.romantisme-noir.net/601/et-maintenant%e2%80%a6-regardez/ http://www.romantisme-noir.net/601/et-maintenant%e2%80%a6-regardez/#comments Wed, 15 Sep 2010 07:59:54 +0000 admin http://www.romantisme-noir.net/?p=601 William Mortensen (1897 – 1965)

De 1923 jusqu’au début des années 30, pour William Mortensen, photographe de son état, tout baigne. Son atelier installé sur Hollywood Boulevard lui permet de côtoyer Fay Wray en petite culotte, Cecil B. de Mille, Margaret Livingston, Marlene Dietrich et quelques autres… Ses talents de portraitiste utilisant le flou et la retouche des négatifs pour peaufiner les rendus, lui assurent la gratitude des stars et en font l’un des photographes les plus célèbres de son époque.

Mais cet état de grâce ne va pas durer. À partir des années 40, la mode vire au minimalisme et le style de Mortensen prend un coup d’anachronisme sur le coin du développeur. Désormais la tendance est à la capture brute et sans fioriture de l’image. En tête de la nouvelle vague se trouve le groupe f/64, fondé en 1932 par Ansel Adams et Edward Weston, qui s’est donné pour tâche de libérer la photographie de l’emprise de la peinture, afin de lui permettre d’être reconnue comme art à part entière. Le groupe édicte donc de nouveaux principes esthétiques reposant sur l’excellence technique, la précision et la pureté. L’image nue et puis c’est tout.

Cette manie documentaire ne laisse dès lors plus aucune place aux « bizarreries gothiques » de Mortensen, incarnations de ce que le groupe f/64 a pris en horreur. Il se trouvera même des artistes pour lui faire des croche-pieds post-mortem. Ansel Adams fera ainsi pression pour que le travail de celui qu’il considère à la fois comme « le diable » et « l’antéchrist » soit écarté du « Center for Creative Photography » de l’université d’Arizona.

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Entre temps, William Mortensen a déménagé pour Laguna Beach, en Californie. Il y ouvre un nouvel atelier, ainsi qu’une école, the Mortensen School Of Photography, inaugurée en 1931 et qui restera active jusqu’à sa mort en 1965.

En 1933, il épouse Myrdith Monaghan et fait la rencontre de George Dunham qui deviendra un ami intime et l’un de ses modèles photographiques. La même année, débute pour lui un long travail d’écriture en collaboration avec Dunham, qui ne prendra fin qu’en 1960 avec un manuscrit inachevé intitulé Composition. Trente-deux ans de collaboration qui aboutiront à 9 ouvrages et une centaine d’articles publiés dans des magazines et des journaux.

La gloire lui glisse peu à peu entre les doigts, mais notre artiste s’en tient à son parti pris démodé de « pictorialisme » qui lui vaudra après sa mort d’être écarté de l’histoire « sérieuse » de la photographie.

Ce courant qui lui tient à coeur est né à la fin du XIXe siècle, lorsque la photographie encore jeune cherchait ses repères. En quête de légitimité, certains artistes optent pour un rapprochement avec d’autres arts comme la peinture ou le dessin. Pour cela, les pictorialistes utiliseront toutes les techniques à leur disposition : grattage, brossage du négatif, utilisation de filtres, retouches, peinture de l’image, etc.

Le résultat en est des photographies qui ressemblent décidément plus à des tableaux et laissent au spectateur une impression d’irréalité, de fascination, parfois de malaise. Mortensen choisira d’ailleurs des thèmes qui filent la même laine que ses partis-pris techniques : des images érotiques ou « monstrueuses » qui ont en premier lieu la propriété d’accrocher le regard. Car ainsi que le souligne Charles Grivel, dans son ouvrage Fantastique-Fiction, le pouvoir de fascination est le propre de la monstruosité dont l’essence est d’être un spectacle, un « donné à voir ». Comme l’image érotique ou pornographique, le monstre « saute aux yeux » du spectateur.

Le pictorialisme, cette « esthétique des aberrations optiques », jouira d’un certain succès jusqu’aux années 40, puis sera la cible des attaques de la nouvelle vague photographique qui le dénonceront comme « une vision dégénérée ». On reprochera notamment à ses adeptes de confondre maîtrise technique et artistique, d’abuser du flou et de donner dans l’image d’Épinal – autodafé qui aura pour conséquence de jeter le bébé avec l’eau du bain, toute création pictorialiste étant désormais considérée comme une façon de balbutiement honteux dans l’histoire de la photographie.

Après l’avoir regardé disparaître dans le siphon, les critiques contemporains s’appliquent mollement à réhabiliter William Mortensen en s’efforçant d’attraper son art par l’angle de l’histoire ou celui du coin en bas, là, susceptible de conférer à l’image son « étrangeté »… N’ayant personnellement aucune envie d’entrer dans le débat pour ou contre la mimésis, je me contenterai de souligner que ses photographies, qu’on les trouve ou non belles, réussissent au moins le pari de nous « contraindre à regarder ».

Ouvrages de William Mortensen :

Pictorial Lighting, 1932

Projection Control, 1934

Monster & Madonnas : A Book of Methods, 1936

The Command to Look, 1937

The Model, 1937

Print Finishing, 1938

Mortensen on the Negative, 1940

Outdoor Portraiture, 1940

Flash in Modern Photography, 1941

Melmothia, 2009.

Quelques Sources :

La page William Mortensen, par Larry Lytle, sur le site The ScreamOnline.

The Strange Case of William Mortensen, par Robert Jones , 2003, sur le site Photo.net.

The Forbidden Fantasy Photography of William Mortensen, sur le site We Come From The Future.

Monsters and Madonna : Looking at William Mortensen, par Cary Loren, sur le site A Journey round My Skull.

Des photographies signées William Mortensen sont disponibles sur :

Joseph Bellows Gallery.

George Eastman House.

]]> http://www.romantisme-noir.net/601/et-maintenant%e2%80%a6-regardez/feed/ 0 http://www.romantisme-noir.net/486/alien-sex/ http://www.romantisme-noir.net/486/alien-sex/#comments Wed, 09 Sep 2009 12:33:35 +0000 admin http://www.romantisme-noir.net/?p=486 On trouve de tout sur Internet, particulièrement cette étonnante série de photos érotiques mettant en scène de jolies donzelles et un extraterrestre de type Roswell, sur un site hongrois du ring SuperDream Underground.

Cliquez ici pour accéder à la page : Amoureux Extraterrestre.

Élisabeth est enterrée au Cimetière Highgate, un fort bel endroit, sauvage comme il faut, truffé de chapelles et de mausolées, sillonné d’allées bordées d’arbres, de tout un fouillis de végétation et de caveaux les jupes relevées pour montrer leurs cercueils. C’est beau, sombre, romantique.

Le temps passe. Dix ans plus tard, le poète a un doute : et mon recueil ? Il se donne le temps de digérer le remords avant de demander une autorisation d’exhumer pour récupérer le texte. L’amour éternel c’est bien, la gloire, c’est encore mieux. Mais il ne tient pas à assister à la fête, il y envoie ses potes et attend fébrilement dans son canapé.

À la lumière des lanternes, le cercueil est ouvert. Howell, son agent, récupère le livre, il racontera plus tard qu’il a dû couper les boucles d’Élisabeth pour dégager le manuscrit.

À Rossetti qui demande dans quel état est sa belle, on répond intacte. Nickel. Propre comme un sou neuf, les joues roses, la chevelure abondante et peignée. Personne n’a envie de lui dire : pourrie. Et comme Stoker a eu l’idée d’y faire reposer Lucy et d’en faire un raccourci vers Carfax, le voilà mêlé à l’histoire. Désormais, c’est suivant son conseil que Rossetti est allé fracturer la tombe.

Et puis tout pousse et ramifie dans cette histoire. Élisabeth a désormais les dents longues et les cheveux plus longs encore. En réalité ses boucles rousses devaient ressembler à des algues ou à un pull détricoté.

Selon les variantes, un pieu vient faire son office ou bien la corvée est laissée aux générations futures pour animer un peu l’endroit en attendant.

Ophélie par John Everet Millais, 1852.

Tableau pour lequel la belle Élisabeth a posé de longues heures dans une baignoire d’eau glacée.

Nouveau rebondissement dans les années soixante-dix : deux jeunes filles sont agressées, l’une d’elles est choquée et la voilà qui chaque nuit repart en trottinant vers un des caveaux du cimetière, les yeux révulsés et la bave aux lèvres. En général on l’arrête à temps -moi, j’aurais attendu pour voir.

On se rappelle alors d’un vampire turc qu’on a dû laisser traîner dans un coin, par là. Le plus beau des mausolées, celui dont l’entrée ressemble à un temple ouvrant sur des profondeurs doit abriter quelque chose. En tout cas, il en a bien l’air.

Alors, on exorcise, on ouvre les cercueils, on fouille les tombes. La police arrête le mage noir de service et le colle en taule pour l’exemple, pendant ce temps les autres continuent à enfoncer des pieux. Entre temps, on découvre deux rats morts auxquels on trouve l’air un peu pâle. Il y a un vampire c’est sûr, d’ailleurs bientôt c’est plus un cimetière, mais un équarrissage. Les animaux morts se multiplient, exsangues. On reparle des boucles rousses d’Élisabeth qui n’en finissent plus de pousser, un centimètre par semaine au moins. Le cimetière est fermé au public. Vlad IV aurait fait un crochet par là. Bathory aussi sans doute. Qui n’a pas fait son crochet par Highate ?

En fin compte, la légende accouche d’un livre écrit par Sean Manchester. Comme quoi rien de tel que du texte pour enfanter du texte. Sur le recueil moisi de Rossetti viennent éclore quelques proses – mignonne, allons voir si la prose, etc.

Selon certains, le vampire serait toujours là-bas.

© Melmothia 2006

Si voulez une version plus romantique et moins fantaisiste que la mienne, lisez La fée de Chelsea, sur le Blog Neverland.

Le musée Moreau présente près de mille tableaux, esquisses, dessins, crayonnages, explique le dépliant, et c’est vrai qu’en entrant là-dedans on a un peu l’impression que tout ça va vous dégringoler sur la tête; les images se côtoient à la limite du chevauchement, dans les recoins, derrière les escaliers, en haut, en bas, dans des boîtes… Précisément, le musée est sur trois étages, le premier offre un aperçu des appartements. Les deux autres sont tapissés de peintures. Si vous voulez tout voir, apprêtez-vous par conséquent à faire une chasse aux œufs de Pâques.

Un vertige plus loin, on commence à prendre ses repères, on grimpe le colimaçon qui mène tout là-haut et on s’efforce regarder les toiles qui jalonnent l’ascension sans avoir les yeux qui croisent.

Jusque-là, je ne connaissais ce père du symbolisme que par l’intermédiaire de reproductions dans des ouvrages d’art, je me trimbalais donc mentalement ce qu’on raconte communément sur lui : son goût des belles Salomé – pour ne pas écrire autre chose qui commence tout pareil -, son sens du détail, les ors et toute la quincaillerie, des frous-frous, du luxe, bref de l’art déco.

En réalité, ses peintures ne ressemblent pas du tout à l’image qu’on peut s’en faire. Seul tableau qui fasse coller Moreau à l’idée qu’on a de Moreau : Jupiter et Sémélé. Quant au reste, la diversité des styles et des techniques l’emporte sur les a priori, du pur classicisme à des compositions quasiment abstraites, en passant par des tableaux que ne renierait pas un impressionniste.

Un dernier conseil : faites gaffe au colimaçon, il est fourbe.

Melmothia, 2005

Le site du musée.

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